The Day – Le point de vue distinctif de l'artiste de Lyme Michael Harvey est présenté à la Glassenberg Gallery de Lyman Allyn -Commander sur Amazon -46 % Réduction





L’art de Michael Harvey a été exposé dans des lieux renommés tels que le Museum of Modern Art et le Whitney Museum of American Art.

Ses illustrations ont été publiées dans le Wall Street Journal et il a été le consultant en art du New Oxford American Dictionary, fournissant des définitions de termes liés à l'art.

Des peintures récentes de Harvey sont présentées dans une nouvelle exposition, celle-ci est présentée au Lyman Allyn Art Museum de New London.

«Stains Remain: Works by Michael Harvey» propose des toiles épiques peintes avec des couleurs éclatantes, une imagination débordante et un sens de l'humour souvent effronté.

Dans «Self in Paint», vous pouvez simplement distinguer les ombres d'un visage sous des points et des gouttes de plusieurs teintes de peinture.

Dans «Starling Murmuration 1», Harvey capture le tourbillon tornadique des étourneaux migrateurs qui volent, se rassemblent puis s'installent pour la nuit sur la rivière Connecticut chaque automne.

Une série de pièces «Women in Wind» sont des portraits abstraits de femmes aux cheveux volants et tourbillonnants, cachant parfois leur visage.

Le texte de l'exposition note que les peintures «contiennent des éléments personnels – des intérêts conceptuels et littéraires aux valeurs contemplatives et au fantasque et à l'humour».

Harvey, qui a grandi en Angleterre et vit maintenant à Lyme, a écrit un livre, «Stains Remain: Stories of devenir un artiste dans les années 1960», dont la publication coïncide avec l'exposition Lyman Allyn. Le livre est vendu à la boutique de cadeaux du musée et est disponible sur Amazon Kindle.

Dans une récente interview avec The Day, Harvey, 76 ans, a parlé de son art et de sa vie.

Comment Harvey a choisi les œuvres pour cette exposition:

"Avec difficulté. J'ai beaucoup d'art. Je fais de l'art depuis de nombreuses années et j'en ai beaucoup. J'ai demandé à des amis, et je dois admettre que j'ai aussi regardé Instagram et ce que les gens aimaient le plus. Parce qu'en tant que créateur, vous avez tendance à avoir vos favoris et vos bébés, et ils peuvent ne pas être ce que les autres aiment ou pensent que c'est bon. Je voulais donc une opinion plus ouverte. C’est un peu comme les Beatles qui sortent une chanson qu’ils trouvent géniale, mais en fait, la face B fait beaucoup mieux. »

Sur ce qu'il espère que les gens tireront de l'exposition «Stains Remain»:

«Je peux espérer, mais je ne sais pas s’ils le feront ou non – ce que j’espère, c’est que ma vision de la vie est beaucoup plus la vie examinée. Je trouve le rythme de vie, la restauration rapide, le divertissement rapide, le sexe rapide, le rapide tout – cela laisse en quelque sorte les gens manquer des choses. Je sens qu’il y a une grande richesse dans la vie qui est ignorée. Ce que j'aimerais que les gens fassent, c'est s'attarder, savourer, remarquer et commenter, et (réaliser) que la vie est très riche et que nous ne nous faisons aucune faveur en nous précipitant dessus. "

Il a utilisé la peinture de Matisse «Le dessert: l’harmonie en rouge (La salle rouge)» comme source d’inspiration pour l’une des pièces du spectacle de Lyman Allyn:

«Il y a des années, mon Dieu, je suppose qu'il y a environ 15 ans, voire plus, il y a … J'étais d'humeur très mécontente de tout le travail que j'avais fait. J'allais le peindre, alors j'ai commencé à peindre dessus – en griffonnant une sorte de peinture, en prenant juste un pinceau et en balançant – et je me suis arrêté et je l'ai regardé et j'ai pensé que c'était plus intéressant que la peinture originale. Parce que le gribouillage supplémentaire sur le dessus … l'avait changé, avait fait quelque chose de différent. Ensuite, je pensais à l'histoire de l'art et à ce que cela ferait à l'histoire de l'art, alors j'ai pris «Madame X» de (John Singer) Sargent, et j'ai griffonné partout sur elle, et cela en a fait un tout nouveau tableau.

«J’ai toujours aimé la« Red Room »de Matisse, alors j’en ai fait une copie, puis j'ai pris la couleur principale – le rouge – et je l’ai griffonnée partout en rouge. Je ne pense évidemment pas que ce soit une meilleure peinture que la sienne, mais c’est une peinture différente; cela devient une autre peinture. Vous pouvez voir sa peinture à travers ce que j'ai fait par-dessus, et un certain nombre d'artistes ont pris des choses de l'histoire de l'art et leur ont fait des choses. Je ne dirais pas que c’est une façon de vous tester, mais c’est une façon d’engager l’histoire de l’art et ce qui s’est passé avant et comment vous vous y intégrez. »

Comment il est entré dans l'art:

«Mon père était en quelque sorte un peintre du week-end, donc je suis évidemment – chaque enfant veut être comme papa – alors je le regarderais peindre. Nous tous, toutes mes sœurs étaient très bonnes – elles gagneraient des prix à l'école d'art. Il semblait donc, puisque je n'allais pas être le prochain physicien nucléaire, cette école d'art était probablement le meilleur choix …

«Je suppose que si j'avais pu porter un morceau, je serais devenu membre d'un groupe de rock, mais je ne pouvais pas chanter, je ne pouvais rien jouer. Mais c'était l'époque, c'était quand John Lennon était à l'école d'art, quand Keith Richards était à l'école d'art en Angleterre. Mais je n'avais tout simplement pas ce talent (musical).

«Ensuite, j'ai vu une exposition à Londres de (Robert) Rauschenberg, l'une de ses toutes premières expositions, et cela m'a époustouflé. Je ne pouvais tout simplement pas croire que vous pouviez être aussi ouvert et inclusif et que vous pourriez embrasser la vie comme ça. C'était tout simplement merveilleux. Je suis donc retourné à mon école d'art et j'ai commencé à faire de l'art que les professeurs voulaient jeter … Ce n'était pas ce qu'était l'école d'art traditionnelle, dessiner des figures, des natures mortes et des paysages. Je faisais toutes sortes de trucs bizarres, imitant Rauschenberg et tout.

Harvey a rencontré Rauschenberg plus tard:

«J'ai été très, très chanceux de rencontrer beaucoup de très bons artistes vraiment importants en tant que jeune homme. Rauschenberg était l'un d'entre eux. C'était une personne charmante, incroyablement ouverte, encourageante, embrassante et drôle.

Harvey a déménagé à New York en 1969 alors qu'il était au début de la vingtaine, prenant un poste d'enseignant à la School of Visual Arts:

«L'Angleterre à cette époque, même si c'était 20 ans après la Seconde Guerre mondiale, était encore en difficulté. Il n'y avait qu'une ou deux galeries à Londres et, comme tout le reste en Angleterre, elle était orientée vers les classes. J'étais de la classe ouvrière, donc je n'allais pas être un héros dans ces endroits très élégants. Nous lirions et voyions dans les magazines (que) tout se passait à New York. Je veux dire, à Londres, cela se passait si vous étiez musicien, mais si vous étiez artiste visuel, cela se passait à New York.

En 1996, il s'installe à Lyme:

«Après 30 ans à New York, j'ai perdu le bail d'un très beau loft surplombant la rivière Hudson, et j'avais épousé une fille de Lyme (Georgiana Goodwin), et nous avons décidé de venir ici et de mettre de l'ordre dans nos affaires, puis retournez à New York. Mais nous sommes arrivés ici, et ma fille (Sophia) et elle ont adoré cet endroit à Lyme alors nous sommes restés.

Le thème de l'exposition «Stains Remain», dit-il, est lui-même:

«Ce que j’essaie dans toutes ces images et ce n’est même pas l’essai, cela vient naturellement, c’est que je sens que la vie est là-bas, là-bas, puis il y a ma réaction à la vie, et c’est ce que l’art est. L'art est fondamentalement notre réaction à la vie … Donc les peintures sont une métaphore de ce genre de voile qui existe entre tout le monde et la vie, et ce voile c'est vous. C’est votre ADN, c’est votre éducation, c’est votre éducation, c’est votre attitude, c’est tout cela – c’est vous. Donc, quand vous regardez l'arbre, c'est différent de quand je regarde l'arbre. Donc ce que toutes ces images ont, c'est ce voile, qui est moi, qui est la façon dont je vois les choses et ce que je ressens à propos des choses.

L'aspect le plus difficile du travail créatif est le suivant:

«Le truc avec tout travail créatif, c'est qu’il n’est pas si difficile d’être créatif. Ce qui est difficile est – et c'est ce que le Dr Frankenstein a découvert – le plus difficile est de donner vie à votre création. Malheureusement, beaucoup trop d’art de toutes sortes – que ce soit de la musique ou quoi que ce soit – est mort. C'est terne, ça ne résonne pas, ça n'évoque pas. C’est donc la partie la plus difficile: donner vie à tout ce que vous faites. »